El arte POP es un estilo muy típico de años sesenta y setenta del siglo XX. Nació y se desarrolló primero en Estados Unidos (Nueva York fundamentalmente) pero pronto pasó a Europa occidental.
El pop es toda una cultura de esa época ligada a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero.
Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores. Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática, muy simple y directa.
No se crea realmente nada nuevo sino que más bien los artistas POP hacen llegar al gran público las diferentes propuestas artísticas. Tal vez sea el primer estilo artístico que procura ser comprendido por todo el mundo y que se esfuerza por mostrar una estética popular. Contornos claros, colorido variado y fuerte y ausencia de grandes mensajes. No hay reivindicaciones, denuncias de injusticias, heroísmos o grandilocuencias.
El consumismo y la imagen, reyes de nuestro tiempo, son los dueños del POP. De ahí la complicidad con el mundo de la publicidad y el cartel promocional. A los artistas POP les interesaba más vender que innovar artísticamente.
Los diversos pintores de este estilo reaccionan contra el abstractismo al considerarlo alejado de la realidad y difícilmente entendible por la población. Ellos se basan en la realidad cotidiana, a veces demasiado cotidiana ( botellas de Coca Cola, botes de tomate, fotos de Marilyn coloreadas, etc.). Eso sí, todas las obras presentan enormes dimensiones.
Es posible que estés tentado de pensar que este arte POP es tan simple que cualquiera lo puede hacer. Es posible, pero en arte lo valioso es la originalidad, lo nuevo. Sin embargo la copia no se cotiza casi nada. Así que ya sabes, si crees que vales como artista, no copies nada anterior, invéntate tú algo y a ver si tienes suerte.
Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje. Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.
Los principales exponentes del pop art en EE,UU en la época de apogeo (década de los sesenta) podemos nombrar a Roy Lichtenstein y sus viñetas de cómic ampliadas hasta mostrar los puntos de impresión. Otro pilar sería Andy Warhol, este eliminó la manualidad de sus obras ya que muyas de ellas eran fotografías proyectadas sobre el lienzo. Mediante la técnica de la serigrafía fue capaz de imprimir estampas idénticas de botellas de coca cola o latas de sopa cambell. Warhol también realizó dos películas, Sleep, donde con un plano fijo se grababan seis horas de sueño de un hombre y Emprire donde, también con plano fijo, se grabó durante ocho horas el rascacielos Empire State Building. Tienen impacto en artistas posteriores pero también en el grafismo o en el diseño de la moda.
La obra:
'Crak! Now, mes petits... pour la France!'' de Roy Lichtenstein (1963): En esta obra se recoje la técnica de un medio de masas, el cómic, ampliando la imagen de una viñeta hasta poder obseravarse detalles como los puntos propios del coloreado del cómic. El uso de este recurso, incluyendo incluso un bocadillo, potenciado al máximo con colores chillones y otros aspectos, le dan una enorme energía para trasmitir un mensaje, todo esto propio de la publicidad. Es un movimiento artístico fascinante, capaz de representar a una gran masa, los jóvenes, rebelándose contra estereotipos y buscando inspiración en un consumismo prepotente que se trasforma así, en sofisticado, bello y provocador arte.
Autor:
Pintor estadounidense. Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal. A partir de 1979 realizó también esculturas.
Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.
El pop es toda una cultura de esa época ligada a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero.
Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores. Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática, muy simple y directa.
No se crea realmente nada nuevo sino que más bien los artistas POP hacen llegar al gran público las diferentes propuestas artísticas. Tal vez sea el primer estilo artístico que procura ser comprendido por todo el mundo y que se esfuerza por mostrar una estética popular. Contornos claros, colorido variado y fuerte y ausencia de grandes mensajes. No hay reivindicaciones, denuncias de injusticias, heroísmos o grandilocuencias.
El consumismo y la imagen, reyes de nuestro tiempo, son los dueños del POP. De ahí la complicidad con el mundo de la publicidad y el cartel promocional. A los artistas POP les interesaba más vender que innovar artísticamente.
Los diversos pintores de este estilo reaccionan contra el abstractismo al considerarlo alejado de la realidad y difícilmente entendible por la población. Ellos se basan en la realidad cotidiana, a veces demasiado cotidiana ( botellas de Coca Cola, botes de tomate, fotos de Marilyn coloreadas, etc.). Eso sí, todas las obras presentan enormes dimensiones.
Es posible que estés tentado de pensar que este arte POP es tan simple que cualquiera lo puede hacer. Es posible, pero en arte lo valioso es la originalidad, lo nuevo. Sin embargo la copia no se cotiza casi nada. Así que ya sabes, si crees que vales como artista, no copies nada anterior, invéntate tú algo y a ver si tienes suerte.
Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje. Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.
Los principales exponentes del pop art en EE,UU en la época de apogeo (década de los sesenta) podemos nombrar a Roy Lichtenstein y sus viñetas de cómic ampliadas hasta mostrar los puntos de impresión. Otro pilar sería Andy Warhol, este eliminó la manualidad de sus obras ya que muyas de ellas eran fotografías proyectadas sobre el lienzo. Mediante la técnica de la serigrafía fue capaz de imprimir estampas idénticas de botellas de coca cola o latas de sopa cambell. Warhol también realizó dos películas, Sleep, donde con un plano fijo se grababan seis horas de sueño de un hombre y Emprire donde, también con plano fijo, se grabó durante ocho horas el rascacielos Empire State Building. Tienen impacto en artistas posteriores pero también en el grafismo o en el diseño de la moda.
La obra:
'Crak! Now, mes petits... pour la France!'' de Roy Lichtenstein (1963): En esta obra se recoje la técnica de un medio de masas, el cómic, ampliando la imagen de una viñeta hasta poder obseravarse detalles como los puntos propios del coloreado del cómic. El uso de este recurso, incluyendo incluso un bocadillo, potenciado al máximo con colores chillones y otros aspectos, le dan una enorme energía para trasmitir un mensaje, todo esto propio de la publicidad. Es un movimiento artístico fascinante, capaz de representar a una gran masa, los jóvenes, rebelándose contra estereotipos y buscando inspiración en un consumismo prepotente que se trasforma así, en sofisticado, bello y provocador arte.
Autor:
Pintor estadounidense. Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal. A partir de 1979 realizó también esculturas.
Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.
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